sábado, 18 de octubre de 2014

La caligrafía Japonesa

Sello del Emperador 
Introducción.
La escritura japonesa es la misma que la escritura china y, por ende, su caligrafía también. Este traspaso cultural se produjo entre los años 300 al 600 de nuestra era a través de monjes budistas chinos que de Corea pasaron a Japón. Como los japoneses carecí­an de escritura la hicieron suya y la desarrollaron de acuerdo a sus propias necesidades. Hoy los japoneses escriben con los ideogramas chinos, con alfabetos silábicos desarrollados exclusivamente por ellos y que son llamados kanas y también con nuestro alfabeto occidental, incluyendo los números arábigos, sobre todo en el comercio y turismo.

Sistema lingüístico.  
Las letras chinas o ideogramas se llaman Kanjis, o letra de Kan (Han era la dinastí­a china de esa época), los kanas (que son dos) se llaman hiragana y katakana y las letras occidentales las llaman romaji, o letra de Roma.
Indudablemente la escritura es una herramienta para comunicar pensamientos y como tal, su expresión es simple y sin una mayor pretensión que la claridad y el orden, como la vemos en una carta manuscrita o, en forma impresa, en un libro o una revista. Pero cuando un maestro de caligrafí­a toma el pincel, cada sí­mbolo, ya sea ideográfico o fonático, que escriba, lo transforma en una obra de arte. La belleza del signo en sí­, su equilibrio, proporción y armoní­a junto a la fuerza y carácter que le imprime el maestro, conforman una obra de gran plasticidad y belleza. La caligrafí­a es parte del arte japonés, un arte que implica mucha dedicación, esfuerzo, paciencia y concentración y que ha contribuido a conformar el sentido estático del pueblo japonés.
Este arte también era muy apreciado por la casta de los guerreros (samuráis). Hallaban en él una exigencia de ser, de despertar, que pasaba por los dominios de lo mental y del comportamiento que correspondí­an a su propia ética. La seguridad y rapidez del gesto para dibujar el trazo, le parecí­an adecuados para el perfeccionamiento interior de ellos mismos, primera exigencia del "bushido" o camino del guerrero.

material para caligrafía japonesa.

Los instrumentos que se utilizan para el shodō son:

Shitajiki (下敷き): Una estera de color negro, suave. Provee una superficie suave y cómoda.

Bunchin (文鎮): Una barra de metal que sirve de pisapapeles.

Hanshi (半紙): Un papel delgado que se usa especialmente para la caligrafía.

Fude (筆): Pincel. Se utiliza un pincel más grueso para los caracteres principales y uno más pequeño para el nombre del artista. Sin embargo, el pincel más pequeño también se puede utilizar para caracteres.

Suzuri (硯): Un recipiente pesado y negro donde se deposita la tinta.

Sumi (墨): Es un material negro y sólido que debe frotarse con agua en el suzuri para producir la tinta negra que se utiliza para la escritura. También existen botes de tinta instantánea.





 El shodo.

El shodo o caligrafía japonesa es el arte de escribir caracterespropios de Japón (kanji, hiragana y katakana) con pinceles y tinta china sobre papel de arroz. Literalmente shodo significa «El caminode la escritura» y tiene un componente espiritual y artístico muy importante.
La concentración a la hora de realizar los trazos es un elemento fundamental del shodo, como camino para obtener una obra artística en perfecta armonía con el espíritu. El shodo no es casual. Es muy importante la forma de las líneas y puntos, su inicio, su dirección y su final.

Arte.

La caligrafía japonesa (書道, shodō) es una de las artes más populares de Japón. Las obras de caligrafía son apreciadas igual que una pintura, pero este tipo de arte posee un sentido filosófico. En sí, la caligrafía es la belleza en la escritura. Un maestro puede crear una obra de arte con una brocha de bambú y papel arroz. Esta actividad transfiere armonía y belleza. La paridad de la simpleza y la gracia se plasman en obras de caligrafía como uno de los principios de la estética japonesa conocida como wabi sabi.

Como muchas prácticas en Japón, el shodō provino de China junto con el sistema de escritura, alrededor del siglo VI ó VII. En aquella época la escritura era un arte importante que debía ser dominado por los miembros de la nobleza. Conforme pasó el tiempo, el arte se difundió entre las clases medias también, y actualmente no solamente es un arte, sino que se utiliza en eventos importantes, al escribir cartas de año nuevo o en otros eventos de la vida diaria.

Como el ikebana y la ceremonia del té, el shodō es herencia del budismo zen.  En el shodō no hay casualidades. El comienzo, la dirección, la forma y la terminación de las líneas, y el balance entre los elementos es importante para cada trazo, e incluso los espacios en blanco se dejan deliberadamente. Además, la caligrafía no sólo consiste en la belleza de la escritura, sino también en la transmisión de conocimientos milenarios.

lapides


Desde que están en primaria, los japoneses aprenden los elementos básicos de la caligrafía. Al inicio de cada año escolar los niños se reúnen para participar en una actividad conocida como kakizome, donde crean obras de caligrafía que simbolizan sus deseos para el nuevo año. Los estudiantes practican su escritura para mejorar su caligrafía, a veces copiando obras de escritores famosos del pasado. Algunos estudiantes de escuela primaria y secundaria incluso van a escuelas especiales para perfeccionar el arte.

El shodo contemporáneo.

A diferencia de los trazos del alfabeto romano, los trazos de los caracteres japoneses deben ser trazados en un orden correcto, no arbitrariamente. A esto se le llama kaisho. Sin embargo, en el día a día se utilizan otras formas de escritura que son más rápidas, en la que los kanji son menos legibles, como cuando se escribe con rapidez en alfabeto romano. Estos dos estilos se conocen como “semicursiva” (gyōsho) y “cursiva” (sōsho).


Ejemplos de caligrafía.


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Detalle firma


Hirohito, Emperador de Japón.

Carta firmada (en caracteres caligráficos) como emperador, a "Su Majestad, el rey Fuad I de Egipto," Palacio Imperial, Tokio, 29 de Noviembre "séptimo año de Showa" [1932]. Consta de dos partes, una carta y una traducción al francés. mano caligráfica en japonés, escrito en limpio gobernó columnas en una sola hoja de papel doblada vitela con textura con el emblema dorado del crisantemo en la cabecera de la hoja, con caligrafía "firma" del Emperador (dos caracteres) audazmente escribió en el último columna (izquierda).

 2) Traducción francesa:

claramente escrito en una mano grande cursiva, en francés, titulada "Hirohito, emperador de Japon," y con el emblema del crisantemo dorado, la firma  cursiva "Hirohito", 2 páginas, 4to, con el sobre original, dirigida en caracteres caligráficos y sellado con el emblema del crisantemo. En buenas condiciones.













Continuación

domingo, 12 de octubre de 2014

Canto General de pablo neruda

Canto General es el décimo poemario de Pablo Neruda, publicado por primera vez en México, en los Talleres Gráficos de la Nación, en 1950, y que empezó a componer en 1938. La edición original incluyó ilustraciones de los muralistas mexicanos Diego Rivera y David Alfaro Siqueiros.

El Canto General consta de quince secciones, 231 poemas y más de quince mil versos. Obra tremendamente ambiciosa, pretende ser una crónica o enciclopedia de toda Hispanoamérica. Muchos críticos lo han calificado como un texto de poesía épica, ya que su canto está dirigido a la naturaleza e historia entera del continente americano. Se trata de una obra "densa y monumental, la de mayor amplitud temática y síntesis americanista que se haya realizado en el continente", al decir de Mario Ferrero.

Secciones

Las quince secciones o "cantos" que conforman la construcción del Canto General, siguiendo esencialmente al crítico Mario Ferrero, corresponden a:

"La Lámpara en la Tierra": conjunto que contiene una visión panorámica naturalista del contorno social de las comunidades precolombinas;
"Alturas de Machu Picchu": dedicada a las ruinas incaicas y al drama humano de los siervos que construyeron aquella fortaleza. Algunos críticos consideran este canto como la más importante contribución de Pablo Neruda a la poesía; el conjunto chileno Los Jaivas lo adaptó para su obra del mismo nombre.
"Los Conquistadores": refleja las alternativas históricas y las contradicciones propias de las guerras expansionistas de España en América, si bien condena el pillaje y el robo valora también la gesta de los españoles;
"Los Libertadores": epopeya de los defensores de la tierra americana desde Cuauhtémoc y la defensa indígena y popular de los nativos pasando por los próceres independentistas hasta los nuevos líderes obreros ej. Luis Emilio Recabarren y los traidores del nuevo imperialismo;
"La Arena Traicionada": retrata el submundo de los traidores, dictadores y lacayos, se inicia con el significativo "Los Muertos de la Plaza (28 de enero de 1946. Santiago de Chile)";
"América, No Invoco Tu Nombre en Vano": especie de poema ritual a las reservas nativas y libertarias del continente;
"Canto General de Chile": contiene la descripción lírica de la flora, fauna, pajarearía y naturaleza americanas, a la vez que exalta las formas primitivas del trabajo y la vida en la comunidad indígena;
"La Tierra se Llama Juan": voz anónima de la insurgencia popular ante los abusos de los invasores, una serie de poemas a obreros reales de distintas latitudes reflejando los abusos y el sufrimiento;
"Que Despierte el Leñador": llamado de alerta a la conciencia social de los Estados Unidos, destinado a Walt Whitman; quizás un preámbulo de las futuras luchas por los Derechos Civiles en EEUU.
"El Fugitivo": biografía de la persecución de Neruda en la clandestinidad y canto de exaltación a la solidaridad del pueblo chileno;
"Las Flores de Punitaqui": reconstrucción de las vivencias personales del poeta en el norte de Chile y su toma de contacto con las organizaciones obreras;
"Los Ríos del Canto": homenaje a los luchadores caídos y a los amigos que acompañaron su aventura social en aquellos días;
"Coral de Año Nuevo para la Patria en Tinieblas": saludo del fugitivo a quienes lo continúan en la lucha interna contra el gobierno de González Videla;
"El Gran Océano": canto a las cosmogonías y al extenso litoral de América Latina; y
"Yo Soy": vigorosa reafirmación de su personalidad como símbolo heroico de la resistencia popular del continente.

Estilo

Esta obra se circunscribe dentro del realismo socialista soviético impulsado por Andréi Zhdánov, estilo que Neruda llevará a su culminación más tarde, en Las uvas y el viento (1954).

Crítica

El antipoeta Nicanor Parra, en una crítica realizada en 1962, opinó que esta era una obra dispareja, que como la Cordillera de los Andes, tenía «sus altos y bajos».

Interpretaciones

El Canto General ha sido interpretado por muchos músicos, siendo la más importante, por su alto nivel artístico y de conexión entre las letras y el músico, además de ser la más conocida a nivel latinoamericano la representación de Los Jaivas, grupo de rock chileno, quienes grabaron en 1981 el álbum Alturas de Machu Picchu, que es considerado por muchos su mejor obra en términos musicales, además de haber contado su presentación con una puesta en escena nada menos espectacular que las propias ruinas de Machu Picchu. Durante la misma, los músicos se explayan y dan a conocer algunos pasajes del lugar y costumbres de bailes, todo esto adornado con los sones característicos de la banda, con instrumentos típicos de las tierras de América del Sur. Las grabaciones de poemas como "Sube a nacer conmigo hermano" (el Canto XII prácticamente completo), "La poderosa muerte" y "Amor americano" son especialmente apreciadas por los chilenos.
Otra de las interpretaciones más conocidas pertenece a Mikis Theodorakis, músico y político griego, con voces de Maria Farantouri y Petros Pandis, que cantaron en español en la grabación original. Dicha interpretación se materializó en el álbum Canto General de 1980.
Diversos compositores latinoamericanos de música clásica han compuesto obras utilizando textos del Canto General, entre ellos Gustavo Becerra-Schmidt, Fernando García, Celso Garrido Lecca, Leon Schidlowsky.

sábado, 4 de octubre de 2014

El padrino de Mario Puzo


El padrino es una novela de género criminal escrita por el escritor italoestadounidense Mario Puzo que originalmente publicó una de las mayores editoriales del país conocida como G. P. Putnam's Sons en 1969. Detalla la historia ficticia de una familia de la mafia siciliana asentada en Nueva York y que está encabezada por Don Vito Corleone, El gran jefe, la cual se convirtió en sinónima de la mafia italiana. La trama transcurre entre los años 1945 y 1955, y también proporciona el trasfondo de Vito desde su niñez, hasta su madurez.

El libro introdujo términos italianos tales como consigliere, caporegime, Cosa Nostra, pezzonovante, y omertà a la audiencia de habla inglesa. Formó las bases de una película homónima que se rodó en 1972. En 1974 y 1990 se rodaron dos secuelas, con nuevas contribuciones de Puzo. Tanto la primera como la segunda película están ampliamente consideradas como unas de las mejores filmaciones cinematográficas de todos los tiempos.

Argumento principal

La historia comienza con Americo Bonasera, que se lamenta por la desgracia que le ha ocurrido a su hija:1 un par de jóvenes la golpearon y le destrozaron su bello rostro. Bonasera le dice a su mujer que solo don Vito Corleone, jefe de la Familia Corleone les podrá hacer justicia. Don Vito recibe a muchos invitados en su casa, ya que es la boda de su hija Connie Corleone, para la que han organizado una majestuosa fiesta el último sábado del mes de agosto de 1945,2 fiesta que incluyó la presencia del famoso cantante Johnny Fontane. Los hijos de don Vito, Sonny, Fredo y Michael también están presentes en la celebración familiar, así como los hombres de confianza del Don, los capos Sal Tessio y Peter Clemenza y el consigliere Tom Hagen. El Don recibe a unos cuantos invitados en su despacho, ya que ningún siciliano puede negar una petición en la boda de su hija. El Don escucha la súplica de Bonasera e incluso una petición de su ahijado Johnny, quien le pide convencer a un productor de cine para que le dé un papel en su nueva producción en Hollywood. En esa misma reunión, el Don accede a reunirse con Virgil Sollozzo, un hombre que tiene un negocio que proponerles a los Corleone.

El Don asigna a Tom Hagen la tarea de hablar con Jack Woltz, el productor peleado con Johnny. Él se niega, argumentando un lío de faldas y por lo tanto, los hombres de Don Vito asesinan un caballo de Woltz y le ponen la cabeza entre sus sábanas. Woltz, muy asustado por la acción, acepta a Johnny como actor, cosa que vuelve a encumbrar a Johnny.3

Don Vito se encuentra con Sollozzo, quien le propone traficar con drogas.4 Su plan es distribuirlas con la familia Tattaglia y necesita que los Corleone lo protejan a cambio de un 30% de ganancias,5 pero el Don se niega rotundamente argumentando que perdería sus privilegios con políticos y jueces si accede a ese negocio. Sollozzo, molesto por eso, piensa que Don Corleone representará un problema y trata de asesinarlo sin éxito. El intento de asesinato desata la ira de Sonny, el hijo más violento del Don, y provoca una guerra entre mafias, que comienza cuando Pete Clemenza ejecuta al traidor que vendió al Don a Sollozzo para que tratara de matarlo. Michael Corleone propone asesinar a Sollozzo para que no intente nada más y al capitán de Policía que lo protege y él mismo ejecuta el plan a la perfección. Como la policía lo busca por todos lados, Michael se refugia en Sicilia.

Mientras tanto, Sonny asesina a Bruno Tattaglia como venganza por el atentado a su padre, lo que provoca que las demás familias traten de acabar con Sonny. En una trampa que le tiende su propio cuñado Carlo Rizzi, Sonny sale desprevenido de la finca Corleone, furioso al enterarse de que Carlo ha golpeado a su hermana Connie. Carlo avisa a las familias, quienes lo interceptan en la carretera y lo asesinan. Don Corleone convoca una reunión de familias (La Cosa Nostra) de Nueva York donde aclara su postura sobre el negocio de las drogas y le pide a todos que eviten la guerra, ya que las venganzas no revivirían a Bruno o a Sonny y sólo perjudicarían a todos. Además, pide seguridad para que Michael regrese.

Una vez que Michael regresa, el Don le confiesa que en realidad los Tattaglia no eran responsables. Emilio Barzini, Don de los Barzini era quien estaba detrás de todo y le advierte de que si alguien le propone una reunión con Barzini será una trampa y quien se la proponga será el traidor. Don Vito Corleone muere a causa de un paro cardiaco y, en el funeral, Sal Tessio le propone a Michael la reunión con Barzini, así que Michael manda a asesinar a Tessio por ser el traidor. Tessio le pide a su ejecutor que le diga a Michael que «no fue personal, sólo negocios». Más tarde Michael ordena el asesinato de todos los Don de Nueva York de forma simultánea, cabezas de las llamadas Cinco Familias, lo que lo convierte en el hombre más poderoso de la mafia de Estados Unidos.

Sin embargo, decide retirarse de la vida como mafioso, al menos parcialmente, y dedicarse a la industria del juego en el estado de Nevada, llevándose con él a Tom Hagen y permitiendo a Pete Clemenza que formara su propia familia.

Secundario

El libro cuenta diferentes historias paralelas a la principal. Johnny Fontane tiene algunos problemas con su voz, ya no puede cantar como antes. Además está en deuda con los Corleone, para compensar la deuda con su padrino se decide ayudar a su amigo Nino Valenti, con ayuda de los Corleone Johnny produce algunas películas exitosas que los colocan a ambos como grandes estrellas de cine, hasta la muerte de Nino.6

Fredo Corleone estuvo presente en el atentado contra su padre en el que él salió ileso y su padre gravemente herido. Quedó con un trauma al ver a su padre a punto de morir, por lo que se fue a vivir a Las Vegas, donde se convirtió en un hombre extravertido y seductor.

Lucy Mancini, quien trato de suicidarse por la tristeza que le producía la muerte de Sonny Corleone, se traslado a Las Vegas ya que Tom Hagen le ofreció un trabajo en el hotel dirigido por Fredo y también le dijo que la familia Corleone le daría una pensión anual acordada por Sonny en su testamento. Ya en Nevada, en menos de dos años, conoció a un doctor llamado Jules Segal, ambos se enamoran y después de un tiempo Jules le da una sortija de compromiso a Lucy y se casan.

También el autor dedica un capítulo completo a la vida del joven Vito Andolini. Su padre fue asesinado por un mafioso siciliano que también quería matarlo a él para que no tomara venganza. Pero la madre de Vito lo envió a Estados Unidos, país donde comenzó a trabajar de forma humilde por lo que conoció a Genco Abbandando quien sería su mejor amigo. Aprendió a conducir un camión (tomando en cuenta la época, no cualquiera aprendía a conducir) y trabajó como repartidor, y conoció a los jóvenes Sal Tessio y Pete Clemenza.

jueves, 2 de octubre de 2014

Dafnis y Cloe


(en griego Δάφνις καὶ Χλόη) es la única obra conocida del novelista griego del siglo II Longo.

Estilo

El estilo de Longo es retórico, con pastores y pastoras totalmente convencionales. Pero a su sencilla historia sabe darle interés humano. Se parece a la novela moderna más que su principal rival entre los romances eróticos griegos, esto es, las Etiópicas de Heliodoro, que simplemente destaca por la ingeniosa sucesión de incidentes. Longo imitó el ambiente pastoril de Teócrito.

Sinopsis

Dafnis y Cloe, dos niños (varón y hembra, respectivamente) encontrados por pastores, se crían juntos y nace entre ellos un mutuo amor que ninguno sospecha. El desarrollo de esta simple pasión representa el principal interés, y hay pocos incidentes. Cloe es secuestrada por un pirata, y finalmente recupera a su familia. Los rivales perturban la paz de Dafnis, pero ambos amantes son reconocidos por sus padres, y regresan a una feliz vida de casados al campo.

Volviendo a la novela de Lungus, vemos como esta se compone de una interesante mezcla dionisíaca, de lo mundano y lo divino, de lo natural y de lo artificial. Y es que a pesar que resulta poco creíble que unos jovenzuelos criados en el campo  no conozcan a la perfección la mecánica de la reproducción, la historia es patéticamente humana y nos deleita con los curiosos intentos de Dafne de consumar la pasión. En una ocasión, queriendo imitar a los animales, monta a Cloe y se mueve espasmódicamente, consiguiendo al no atinar donde encajarse una calentura aún mayor. El beso y la contemplación de sus cuerpos desnudos es a lo máximo que llegan, hasta que una mujer interesada en Dafnis, con el pretexto de enseñarle el arte del amor, se aprovecha de él y le muestra el camino. El final del relato es, como no podría ser de otra forma, un yacieron felices y comieron perdices. Pero después de toda la novela, después de tanto quiero y no puedo, después de mil y un impedimentos en el camino del deseo, el esperado clímax dura apenas una frase.